Arts and Culture

Arte e Cultura

Le arti sono un elemento fondamentale di ogni società sana, che plasma la nostra interpretazione del mondo e di noi stessi, soprattutto con la proliferazione dei social media e dell'intrattenimento in streaming. La nostra comprensione del mondo, a sua volta, influenza il nostro processo decisionale, il che rende fondamentale il ruolo degli artisti. Diverse questioni nel campo dell'arte e della cultura meritano ora particolare attenzione, tra cui la tutela del patrimonio, la sostenibilità culturale, la salute delle industrie culturali e creative, l'inclusività delle città, l'educazione artistica e i diritti e le libertà dei singoli artisti.

Il patrimonio materiale e immateriale è minacciato a causa di continui cambiamenti e conflitti

Il Catalogo delle Lingue a Rischio di Estinzione comprende voci provenienti da 180 paesi e territori diversi; la Germania ne ha 11, tra cui l'alto sorabo e lo yiddish occidentale, mentre gli Stati Uniti ne hanno 165, che vanno dall'aleutino allo zuni. Elementi del patrimonio immateriale, come la lingua, i costumi, le cerimonie, i rituali e le tradizioni, sono minacciati dalla politica e dalle forze della globalizzazione, poiché società e tecnologie cambiano a un ritmo più rapido che mai. Sia questo patrimonio immateriale che quello "tangibile" (opere d'arte e monumenti) contengono la diversità dell'esperienza umana e un quadro per l'identità individuale e comunitaria. Alimentano la resilienza di fronte al cambiamento o alla crisi. È quindi fondamentale proteggere e sostenere ciò che ci è stato tramandato dalle generazioni precedenti, di fronte a molteplici minacce: cambiamenti climatici, conflitti armati, abbandono, sviluppo incontrollato, pratiche agricole non regolamentate e turismo non sostenibile. Sebbene questi pericoli esistano in tutto il mondo, tendono a peggiorare esponenzialmente in condizioni di crisi.

Mai dalla Seconda Guerra Mondiale il patrimonio culturale mondiale ha dovuto affrontare una tale minaccia di distruzione a causa di un conflitto. Esempi recenti includono la demolizione di santuari a Timbuktu, in Mali, nel 2012 da parte di un estremista islamico legato ad Al Qaeda (per la quale l'estremista è stato ritenuto responsabile di 3,2 milioni di dollari di danni da una corte internazionale nel 2018), la distruzione del Museo di Mosul in Iraq da parte di militanti dello Stato Islamico che hanno diffuso le registrazioni della carneficina nel 2015, e l'attacco dell'antico sito romano di Palmira, in Siria, da parte dello Stato Islamico, sempre nel 2015. In quanto manifestazione fisica della nostra storia comune, questi siti archeologici, archivi, biblioteche e musei sono simboli potenti, rendendoli bersagli di violenze volte a lacerare il tessuto delle comunità. I siti del patrimonio culturale sono inoltre danneggiati dal mercato nero di manufatti e oggetti culturali rubati. Prove su larga scala di saccheggi di siti archeologici e musei da parte dello Stato Islamico suggeriscono che questo svolga un ruolo importante nel finanziamento del gruppo. Secondo l'Iraqi State Board of Antiquities and Heritage, lo Stato Islamico ruba e vende manufatti, e vende permessi per saccheggiarli. La conservazione e la protezione del patrimonio culturale devono essere incluse nella pianificazione di conflitti e crisi; nelle regioni colpite da conflitti, il patrimonio culturale può svolgere un ruolo cruciale, fornendo una base per la ricostruzione.

Questo numero chiave è stato curato in collaborazione con Huib Schippers, Direttore di Smithsonian Folkways Recordings presso il Center for Folklife and Cultural Heritage, e Katharyn Hanson, Fellow presso lo Smithsonian Museum Conservation Institute.

L'educazione artistica può sviluppare competenze e valori cruciali e promuovere la creatività

Offrire un'educazione artistica di qualità può aiutare gli studenti ad acquisire competenze e qualità attualmente molto richieste, come la capacità di problem solving, la flessibilità, la perseveranza e la cooperazione. L'Arts Council of England ha pubblicato una revisione nel 2014, "The Value of Arts and Culture to People and Society", in cui si osservava che la partecipazione alle arti può ridurre l'esclusione sociale e rafforzare le comunità, poiché gli studenti delle scuole superiori che si dedicano alle arti a scuola hanno il doppio delle probabilità di fare volontariato nelle loro comunità rispetto a quelli che non lo fanno, e hanno il 20% di probabilità in più di votare da giovani adulti. Secondo un rapporto commissionato dalla Wallace Foundation, "The Qualities of Quality", un'educazione artistica di qualità può rafforzare la capacità di pensare in modo creativo e di creare connessioni, e la capacità di applicare il pensiero creativo può a sua volta avere un impatto positivo sulla società. Molti benefici dell'educazione artistica, tuttavia, non sono facilmente quantificabili attraverso set di dati. I finanziamenti per l'educazione artistica in tutto il mondo hanno subito drastici tagli negli ultimi anni e spesso questa disciplina viene inclusa solo come complemento ad altre materie. Il cosiddetto movimento STEM to STEAM, fondato dalla Rhode Island School of Design, mira ad ampliare i tradizionali campi STEM (Scienza, Tecnologia, Ingegneria e Matematica) includendo "A"r e Design, al fine di promuovere l'innovazione. Nel 2014 è stato pubblicato uno strumento di mappatura digitale che illustra l'attività "STEAM" in tutto il mondo, per aiutare i sostenitori del movimento a connettersi.

Adottare il pensiero creativo nel mondo commerciale può portare a risultati positivi. Un sondaggio tra CEO pubblicato dalla società di consulenza PwC nel 2017 ha mostrato che il 77% ha riscontrato difficoltà nel reperire le competenze creative e innovative di cui necessitava; e, sebbene le competenze STEM fossero considerate importanti, secondo il sondaggio, la domanda per queste competenze è stata superata dal desiderio di competenze "soft", tra cui la creatività. Il rapporto del World Economic Forum del 2016 sul futuro del lavoro ha indicato la creatività come una delle tre principali competenze richieste ai lavoratori entro il 2020, e un successivo rapporto del Forum, "Il futuro del lavoro e delle competenze in Medio Oriente e Nord Africa: preparare la regione alla quarta rivoluzione industriale", ha evidenziato un'attuale carenza di competenze nella regione, tra cui creatività e pensiero indipendente. L'assunzione di rischi creativi e la sperimentazione possono favorire la fiducia in se stessi; aumentare la capacità di pensiero creativo degli studenti è essenziale per prepararli ad intraprendere carriere che ancora non esistono e ad affrontare problemi non ancora identificati.

Le città inclusive sono più creative, innovative e sostenibili

Le Nazioni Unite prevedono che la popolazione urbana globale aumenterà da 4 miliardi nel 2015 a 5,1 miliardi entro il 2030. I residenti delle città in crescita in tutto il mondo, compresi gli artisti, vengono sfollati per motivi economici. Questo è un peccato, perché le città in cui i residenti possono continuare a coesistere indipendentemente da reddito, etnia, religione, età, abilità fisica, orientamento sessuale o status di immigrazione offrono enormi opportunità per il tipo di interazione che arricchisce il tessuto culturale ed economico. Da Mumbai a San Francisco, le città si sono sviluppate diventando centri di creatività, commercio e cultura, offrendo al contempo la promessa di una vita migliore alle famiglie in fuga da conflitti e povertà. Tuttavia, le città possono anche essere teatro di disuguaglianze e privazioni. Gli Obiettivi di Sviluppo Sostenibile delle Nazioni Unite richiedono città "inclusive, sicure, resilienti e sostenibili", mentre la "Nuova Agenda Urbana", concordata in una conferenza delle Nazioni Unite del 2016, fornisce orientamenti politici correlati. Nel 2020, gli urbanisti si riuniranno al World Urban Forum di Abu Dhabi per discutere di temi quali l'uso della tecnologia e dei dati per rendere le città più sostenibili. Progressi correlati, come i veicoli autonomi, offrono l'opportunità di riqualificare le strade in modi più incentrati sull'uomo e di integrare opzioni di mobilità a vantaggio di tutti.

In risposta alla rapida urbanizzazione, designer, architetti, artisti e comunità stanno formulando approcci innovativi. A Medellín, in Colombia, l'ex sindaco Sergio Fajardo ha stabilito che gli edifici pubblici più belli debbano essere costruiti nelle aree più povere, trasformando la città da una delle più pericolose al mondo in una metropoli più inclusiva. Funivie sopraelevate collegano ora gli insediamenti periferici alla rete metropolitana centrale di Medellín, mentre biblioteche e centri culturali supportano la partecipazione civica. In altre città, gli artisti della "pratica sociale" stanno puntando i riflettori sulla disuguaglianza urbana e rivelando la nostra comune umanità. Lo street artist francese "JR" ha esposto ritratti fotografici in luoghi come le baraccopoli di Parigi e Nairobi, e in Israele e Palestina, che coinvolgono gli spettatori con i volti più grandi della vita di persone comuni che altrimenti rimarrebbero relativamente nascoste. Nelle aree urbane degli Stati Uniti e in gran parte del mondo industrializzato, la disuguaglianza di reddito, i costi degli alloggi e la limitazione dei trasporti pubblici stanno riducendo la mobilità sociale, mentre la segregazione sociale e spaziale e il cambiamento climatico creano serie sfide. Residenti locali, designer, artisti e attivisti nelle aree colpite stanno lavorando per creare quartieri, quartieri e quartieri più sostenibili e inclusivi. L'artista di Chicago Theaster Gates, ad esempio, trasforma immobili vuoti in un quartiere sottoservito in spazi artistici comunitari per i residenti.

La libertà di espressione e i diritti di proprietà degli artisti sono sotto attacco

La libertà di espressione è riconosciuta nella Dichiarazione Universale dei Diritti Umani, adottata dall'Assemblea Generale delle Nazioni Unite nel 1948, e nel Patto Internazionale sui Diritti Civili e Politici, adottato nel 1966, e spesso viene data per scontata. Eppure, molti artisti non possono creare o diffondere la propria arte per timore di ritorsioni o procedimenti giudiziari. Un rapporto pubblicato dall'organizzazione internazionale Freemuse ha registrato 553 casi di violazioni dei diritti degli artisti, in 78 paesi, nel 2017. In media, un artista a settimana è stato perseguito per essersi espresso durante l'anno, secondo il rapporto; l'elenco dei 10 paesi che hanno censurato maggiormente le opere d'arte e messo al bando gli artisti include Stati Uniti, Ucraina, Francia e Cina. Attaccare gli artisti e le loro pratiche creative equivale ad attaccare la libertà di espressione. È fondamentale che le voci creative rimangano libere di esprimersi e produrre opere senza la minaccia di ritorsioni, al fine di sviluppare una società globale con una pluralità di voci e il rispetto dei principi fondamentali della democrazia, e di contrastare società intolleranti e illiberali. La libertà di espressione contribuisce alla salvaguardia della libertà di informazione e può garantire ai cittadini l'accesso a una conoscenza ampia, utile, non censurata e stimolante.

Un aspetto fondamentale dei diritti degli artisti è la tutela della proprietà intellettuale. A livello morale, questa può aiutare gli individui e le comunità a essere adeguatamente riconosciuti per la loro creatività e a mantenere il controllo sul suo utilizzo. Fornisce inoltre un'importante fonte di reddito per gli artisti. Mentre la Convenzione di Berna per la protezione delle opere letterarie e artistiche, adottata nel 1886, ha stabilito un quadro normativo che consente ad artisti e creatori di controllare l'utilizzo delle loro opere, questa struttura ultracentenaria è mal adattata alle complessità del mondo moderno e alle nuove tecnologie. L'ascesa delle piattaforme digitali e dello streaming ha stravolto i modelli di business esistenti e solleva numerose questioni relative al diritto a essere retribuiti per il lavoro creativo. La natura della condivisione su queste piattaforme ha sottratto la maggior parte dei diritti di proprietà agli artisti stessi, lasciando molti con entrate ridotte o nulle. Tecnologie come la blockchain potrebbero tuttavia consentire ai creatori di interagire più direttamente con i fan e di sviluppare piattaforme che proteggano la catena del valore della produzione creativa.

Le industrie creative sono elementi sempre più importanti dell'economia globale

Le industrie culturali e creative comprendono un vasto insieme di forze interconnesse che generano oltre 2,25 trilioni di dollari di fatturato annuo – una cifra superiore alle singole economie di Brasile, Canada o Italia – e impiegano quasi 30 milioni di persone in tutto il mondo, secondo Cultural Times, un rapporto pubblicato dall'UNESCO, dalla Confederazione Internazionale delle Società di Autori e Compositori e dalla società di consulenza EY nel 2015. Queste cifre non includono la dilagante pirateria e la vendita non autorizzata di prodotti come libri e musica registrata. Le industrie creative, tra cui pubblicità, architettura, moda, editoria e sviluppo software, necessitano tutte di un forte legame con il pubblico per rimanere rilevanti e redditizie, in ogni parte del mondo. La regione Asia-Pacifico ha rappresentato la quota maggiore dei ricavi e dei posti di lavoro creativi e culturali citati nel rapporto di Cultural Times, con 743 miliardi di dollari di fatturato (pari al 3% del PIL regionale) e 12,7 milioni di posti di lavoro, mentre l'Europa si è classificata al secondo posto in entrambi i parametri, seguita dal Nord America.

La classe creativa spesso guida lo sviluppo urbano e l'innovazione, fungendo al contempo da importante datore di lavoro. Secondo il rapporto del Cultural Times, ad esempio, le industrie culturali e creative in Europa tendono a impiegare una percentuale maggiore di giovani tra i 15 e i 29 anni rispetto a qualsiasi altro settore. I governi stanno riconoscendo sempre più l'importanza dell'economia culturale e creativa come generatore di posti di lavoro, ricchezza e coinvolgimento pubblico. La Corea del Sud, ad esempio, ha avviato un ampio sforzo per sostenere la propria economia creativa nel 2013, promuovendo l'innovazione nel settore manifatturiero e potenziando l'uso di Internet e della tecnologia digitale. Nel frattempo, la cultura pop sudcoreana, compresi i gruppi musicali K-pop, è diventata un'importante fonte di esportazione. Secondo il Global Entertainment and Media Outlook 2017-2021 della società di consulenza PwC, la Corea del Sud si è posizionata tra i leader, insieme a paesi come Stati Uniti, Giappone, Regno Unito e Francia, in termini di fatturato globale dell'intrattenimento e dei media previsto per il 2021. In ogni paese, le industrie creative e culturali possono apportare un senso di significato sia ai creatori che al pubblico. Tuttavia, sono relativamente pochi i modelli praticabili disponibili per sostenere le economie creative. Sebbene la trasformazione digitale delle industrie creative sia iniziata molto tempo fa, stiamo ancora lottando per trovare modi che permettano ai creatori di guadagnarsi da vivere in modo adeguato. Trovare sostenitori del settore privato che affrontino questo problema sarà cruciale.

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